Jason Revok

Jason Revok ist dafür bekannt, kreative Grenzen auszuloten – ausgehend von seiner Arbeit im öffentlichen Raum. Seine künstlerische Laufbahn begann im Graffiti, doch in den letzten zehn Jahren hat er sich zunehmend auf die Arbeit im Atelier sowie auf die Weiterentwicklung seiner Prozesse und Konzepte konzentriert.

Dabei lässt er sich nicht auf seinen frühen Erfolg festlegen. Elemente aus dem Graffiti fließen weiterhin in seine Arbeiten ein – etwa einfache Materialien, industrielle Werkzeuge oder ein gewisser improvisatorischer Ansatz. Gleichzeitig hat sich seine Praxis klar in Richtung Minimalismus und postmalerischer Abstraktion entwickelt.

Im Zentrum seiner Arbeit steht die Frage nach Autorschaft: Revok entwickelt eigene, bewusst nicht perfekte Werkzeuge und Systeme, um seine Bildsprache umzusetzen. So entstehen Werkgruppen mit hohem Wiedererkennungswert, die zugleich präzise konstruiert und von einer spürbaren menschlichen Handschrift geprägt sind. Seine klaren, ausgewogenen Kompositionen gewinnen gerade durch kleine Unregelmäßigkeiten an Spannung und Präsenz.

Seine Arbeiten wurden unter anderem im Museum of Contemporary Art in Los Angeles sowie im Pasadena Museum of California Art gezeigt. Darüber hinaus war er in Ausstellungen und Projekten in Städten wie New York, Los Angeles, Detroit und Dubai vertreten und ist in zahlreichen bedeutenden Privatsammlungen weltweit präsent.

Verfügbare Werke

Rocco And His Brothers

Geboren Mitte der 80er Jahre, ist der harte Kern des Kollektivs seit der Jahrtausendwende fester Teil der Berliner Graffiti-Szene. Das Schaffen von autonomer Kunst und die Aneignung von Raum setzten sich fort in sozio-politischen Kunstaktionen und satirischen Werken. 
2016 gründete die Gruppe das Kollektiv Rocco und seine Brüder für große Installationen im öffentlichen Raum. Seither ermöglicht ein hoher Grad an Anonymität den Mitgliedern die Umsetzung von subversiven Kunstaktionen.
In der künstlerisch Reinszenierung entlädt sich das gesellschaftskritische Potential alltäglicher Objekte: Sie werden zu ikonischen Bedeutungsträgern, die auf die blinden Flecke unserer Lebensrealität verweisen.

Verfügbare Werke

Good Behaviour ´26 – perspectives of Urban Art

Mit GOOD BEHAVIOUR ´26 setzt Fravil Artmanagement die jährlich stattfindende Urban-Art-Ausstellung im Tapetenwerk Leipzig fort. Künstler:innen aus unterschiedlichen europäischen Ländern sowie den USA kommen hier zusammen und zeigen zeitgenössische Positionen in einem gemeinsamen Ausstellungskontext.

Gezeigt werden Wandmalereien, Installationen, Keramiken sowie Arbeiten auf Leinwand und Papier. Die Arbeiten bewegen sich zwischen urbanen Bildsprachen, abstrakten und figurativen Ansätzen sowie experimentellen Materialkombinationen. Der urbane Raum dient dabei als Referenz, Ausgangspunkt oder Reibungsfläche.

Ergänzt wird die Hauptausstellung durch den Bereich Friends of Fravil, in dem weitere Künstler:innen vertreten sind. Dort werden kleinere Formate und Editionen präsentiert, die das Ausstellungsspektrum erweitern.

GOOD BEHAVIOUR ´26 versteht sich als offener Ausstellungsraum für zeitgenössische Urban Art. Während des Leipziger Frühjahrsrundgangs ist die Ausstellung ebenfalls geöffnet und Teil des städtischen Kunstgeschehens.

Vernissage: 
18. April / 16 – 24 Uhr
+ DJ-Set und Bar
+ freier Eintritt

Ausstellungszeitraum: 
19.April – 03.Mai / täglich 11 – 18 Uhr 
+ freier Eintritt

Veranstaltungsort: 
Tapetenwerk / Halle C01 
Lützner Straße 91 
04177 Leipzig

Künstler:Innen

Revok
Rocco and his brothers »
Mikkel Westrup
Moritz G. Green
DXTR
Peter Fahr Junior
Pavel Dušek »
Jasmin Odendahl
Nasca
Hati.Hati.Mas

+ Friends of Fravil

Moses & Taps »
Monos Sotos
Tomislav Topić »
Kristine Mandsberg
César Goce
Lukas Hanke
Tim David Trillsam »
Sert
Franz Werk »
Lukas Sirom

Tomislav Topic

Der 1985 in Hannover geborene und in Berlin lebende Künstler
Tomislav Topic hat im Laufe seiner Karriere ein stilistisch einzigartiges und unverwechselbares Œuvre geschaffen. Als Teil von Quintessenz und als Solokünstler konnte er weltweit zahlreiche Installationen und Wandbilder im öffentlichen Raum realisieren.

Tomislav Topics Wandbilder sprengen die Grenzen des Genres Malerei und beweisen, dass sein abstrakter, nicht-gegenständlicher Stil sowohl im kleinen Galerieformat als auch auf monumentalen Wänden außerordentlich gut funktioniert. Aufgrund seines Studiums an der Hochschule für angewandte Wissenschaft und Kunst in Hildesheim verfügt er sowohl über einen akademischen Kunsthintergrund als auch über Kenntnisse im Bereich der urbanen Kunst. Er formuliert selbstbewusst seinen eigenen künstlerischen Standpunkt, der diese klassischen Kategorien vereinen und überwinden will und sieht seine künstlerische Arbeit in erster Linie als Arbeit an unserer Umwelt.

Er war Dozent an der Universität in Hildesheim und anderen
Bildungseinrichtungen. Topic ist bekannt für seine farbenfrohen,
ortsspezifischen Kunstinstallationen, in denen er es versteht, seine Arbeit auf das Wesentliche der Kunst selbst zu reduzieren: Farbe und Form. Diese werden zum einzigen und primären Inhalt seiner Kunst erhoben. Seine abstrakten Werke und die grundlegende Konzentration auf Farbe und Form ermöglichen es ihm, universell verständliche Installationen zu schaffen, die es dem Betrachter ermöglichen, Kunst auf authentische und direkte Weise zu erleben. In Topics Werk gehen die erhebende Kraft der Schönheit und die Logik der Wissenschaft eine Symbiose ein, die uns dazu herausfordert, die Umwelt mit erweiterten Sinnen wahrzunehmen. Ob Malerei oder Installation – seine Kunst hat die Fähigkeit, weltweit als international gültige Ausdrucksform Resonanz
zu finden und auch Menschen sehr unterschiedlicher Kulturen in
der Kunst zu vereinen. Seit mehr als einem Jahrzehnt findet Topics
künstlerisches Schaffen zunehmend internationale Anerkennung.
Seitdem konnte er seine Werke, Installationen und Wandmalereien
auf Festivals, Ausstellungen und Künstlerresidenzen in Deutschland, der Schweiz, Frankreich, Italien, den Niederlanden, Spanien, Griechenland, Mauritius, Katar, Georgien, den USA und China der Öffentlichkeit präsentieren.

Verfügbare Werke

Herbstsalon ´25 – positions of contemporary art

Vernissage: 
Samstag, 27. September / 16 – 24 Uhr

Ausstellungszeitraum: 
28. September – 5. Oktober / 11 – 18 Uhr 

Veranstaltungsort: 
Tapetenwerk / Halle C01 
Lützner Straße 91 
04177 Leipzig

Eintritt frei

Der Herbstsalon Leipzig geht in seine dritte Runde und macht die Halle C01 im Tapetenwerk erneut zu einem Ort der Auseinandersetzung mit gegenwärtiger Kunst. Unter dem Leitmotiv – positions of contemporary art – vereint die Ausstellung verschiedene künstlerische Ansätze und macht deren Vielfalt sichtbar.

Es erwarten die Besucher figurative und abstrakte Malereien, Objekte aus Keramik, Zeichnungen, Dioramen sowie mediale und installative Arbeiten. Zusammen ergibt sich ein breites Spektrum an Ausdrucksformen, das den Raum vielschichtig bespielt.

Mit dabei:

Bjoern Holzweg · Olivier Maximilian · Nico Sawatzki · Tomislav Topić · Franz Werk · Rafael Gerlach (SatOne) · Constantin Schröder

sowie im Rahmen von Friends of Fravil:

Rocco and his brother · Lukas Sirom · Lars Wunderlich (Look the Weird) · Moritz Green (Golden Green) · Camille Theodet · Peter Fahr

Die Vernissage am 27. September lädt ab 16 Uhr zum Entdecken, Feiern und Begegnen ein – begleitet von mehreren DJs, Livemusik und einer Bar.

Kommt vorbei, entdeckt neue Positionen der Gegenwartskunst und feiert mit uns die Eröffnung!

KünstlerInnen

Bjoern Holzweg
Olivier Maximilian
Nico Sawatzki 
Tomislav Topic
Franz Werk 
Rafael Gerlach (Sat one)
Constantin Schröder

+ friends

Rocco and his brother
Lukas Sirom
Lars Wunderlich (Look the Weird)
Moritz Green (Golden Green)
Camille Theodet 
Peter Fahr

DXTR

Dennis Schuster, geboren 1983 in Bielefeld, lebt und arbeitet als freischaffender Künstler und Illustrator in Berlin. Seine Arbeiten sind vor allem unter dem Pseudonym DXTR bekannt und sein Stil entspringt dem Graffiti, auch wenn diese Bezeichnung heute nicht mehr passen dürfte. Die Themen und Bildinhalte sind figurativ, wirken auf den ersten Blick verträumt und verspielt werden aber gerne mit einem Schuss Mystik, Ironie und Provokation versehen. Aus grafischen Formen, Elementen der Typografie und des Comics, entstehen figürlich-abstrakte Szenarien die sich als Popsurrealismus beschreiben lassen. Sein gestalterisches Hauptaugenmerk gilt momentan großflächigen Wandmalereien. Ende 2011 gründete er das Künstlerkollektiv THE WEIRD – eine Gruppe, die unterschiedliche Interessen wie Malerei, Installation, Character Design, Illustration und Graffiti mischt und für seine Arbeit im In- und Ausland bekannt ist.

Verfügbare Werke

Monos Sotos

Monos Cotos (ausgesprochen Monos Sotos, geboren 1985 in Griechenland) begann seine Karriere als Graffiti- und Straßenkünstler, bevor er sein Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Athen abschloss. Monos Cotos konzentriert sich auf politische und gesellschaftliche Kritik an seinem Umfeld, wobei er Darstellungsformen und -strategien einsetzt, die ein sorgfältiges Gleichgewicht zwischen autobiografischen Ansätzen und partizipativen Strategien herstellen. Die kollektive Rückeroberung verlassener Industriegebäude durch künstlerische Interventionen stellt eine der Hauptstrategien dar, mit denen er sich den durch den gesellschaftlichen Kontext auferlegten Beschränkungen stellt. Sein jüngstes kollektives Projekt im öffentlichen Raum, „Peramo“ im Juni 2023, versammelte mehr als 20 Künstler und umfasste 70 Wandbilder auf 4000 m² in einer verlassenen Fabrik 30 km außerhalb von Athen. Seine Wandbilder und Gemälde – großformatig und achromatisch – rufen sowohl politische als auch soziale Erinnerungen wach, die sich mit persönlichen Erzählungen verflechten und so die Dichotomie zwischen privatem und öffentlichem Raum hinterfragen. Er lebt und arbeitet in Athen.

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Moses & Taps™

Die künstlerischen Wurzeln von Moses und Taps finden sich in den Graffiti der 1990er Jahre. Seit 1994 arbeiten sie im öffentlichen Raum. Im Jahr 2007 schlossen sie sich zum Kollektiv MOSES & TAPS™ zusammen, in dem heute eine unbestimmte Anzahl von Künstlern zusammenarbeitet.
Außerhalb des Graffiti-Kosmos erregte das Künstlerkollektiv großeAufmerksamkeit, als sie 2010 eine täuschend echte Nachbildung einer Zugtür malten, die die Bahn erst nach mehreren Fahrten bemerkte.
Internationale Bekanntheit erlangten sie fünf Jahre später mit ihrer Arbeit „The Wall“, für die sie einen zugemauerten Zug durch Hamburg fahren ließen. Heute stellen MOSES & TAPS™ ihre konzeptionellen und avantgardistischen, oft von Graffiti inspirierten Arbeiten in Galerien und Museen auf der ganzen Welt aus.

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Nasca

Nascas künstlerischer Werdegang begann Anfang der 1990er Jahre vor dem Hintergrund einer Kleinstadt in der Nähe von München. Aufgewachsen in einer vielfältigen Familie mit deutschen und peruanischen Wurzeln, waren Nascas frühe künstlerische Einflüsse ein Schmelztiegel aus süd- und nordamerikanischen sowie japanischen Comics und dem reichen Erbe seiner peruanischen Wurzeln. Diese prägenden Jahre legten den Grundstein für seinen künstlerischen Ausdruck. Er wuchs in der städtischen Umgebung auf und kanalisierte seine kreative Energie in die Graffitikunst, wobei er die Stadtlandschaft seiner Heimatstadt München mit seinem unverwechselbaren Stil verschönerte. Durch diese frühen Erfahrungen wurde seine Leidenschaft für den künstlerischen Ausdruck entfacht, und die Liebe zum Malen auf der Straße begann Gestalt anzunehmen. Seine künstlerische Laufbahn nahm während seines Mediendesign-Studiums eine entscheidende Wendung. Nasca Uno wagte den Schritt ins Ausland nach Asien und startete dort seine internationale Karriere als Maler. Die vielfältigen Kulturen und Einflüsse, denen er in dieser Zeit begegnete, prägten seine künstlerische Entwicklung nachhaltig. Diese Phase des Eintauchens in andere Kulturen wirkte als Katalysator für die Wandlung seines künstlerischen Stils. Nasca Unos Bildsprache zeugt von dieser Entwicklung. Seine Kunstwerke sind ein eindrucksvolles Tableau aus einzigartig dargestellten Figuren, Tieren, Wesen, Gottheiten und Pflanzen, wobei der Fokus oft auf dem Außergewöhnlichen und Übernatürlichen liegt. Seine Kunst taucht in die Bereiche veränderter Bewusstseinszustände und der menschlichen Erfahrung ein und fängt die Essenz der Transformation und die Verbundenheit aller Lebensformen ein. Nasca Unos Werk ist ein Zeugnis für die Kraft der Kunst, Grenzen, Kulturen und Medien zu überwinden. Seine üppigen und fesselnden Kreationen dienen als lebendiges Zeugnis für die unerschöpfliche Quelle der Inspiration, die aus seinem vielfältigen Erbe und seinen globalen Erfahrungen stammt.

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Moritz G. Green

Die Kunst von Moritz Green, auch bekannt als „Golden Green“, entführt den Betrachter in ein fantastisches Universum voller gemalter und gedruckter Konstellationen auf Fassaden, Leinwänden und Papier. Eine abstrakte Bildsprache aus hartkantigen, aber oft weichen und scheinbar schwebenden Formen in einer einprägsamen Farbpalette. Der Einfluss des typografischen und visuellen Vokabulars der Graffiti-Szene auf Greens Bildsprache ist offensichtlich – er begann im Alter von 12 Jahren auf Wände zu sprühen. Bei genauerem Hinsehen lassen sich aber auch subtile Bezüge zu figurativen Elementen, architektonischen Fragmenten und skurrilen Objekten aus dem Weltall erkennen… Moritz Greens Lieblingslektüre während seiner jungen Jahre war der Atlas. Karten von unserem Sonnensystem, der Globus und sein Meridianes Raster, Stadt- und U-Bahnpläne plus die farbigen Legenden zur Erklärung faszinieren ihn noch immer. Die gesammelten Eindrücke der grafischen Symbole und Visualisierungen zugrunde liegender Strukturen und Systeme sind ein verbindendes Element in der abstrakten Formensprache von Moritz Green. Green studierte von 2004 bis 2008 Grafikdesign an der Hamburger Technischen Kunstschule in
Hamburg. Er ist Mitglied des europäischen Künstlerkollektivs Ultra-Boyz. Seine Arbeiten wurden international in Galerien und auf Kunstmessen ausgestellt. Moritz Green lebt und arbeitet in Hamburg, Deutschland.

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