Jason Revok

Jason Revok ist dafür bekannt, kreative Grenzen auszuloten – ausgehend von seiner Arbeit im öffentlichen Raum. Seine künstlerische Laufbahn begann im Graffiti, doch in den letzten zehn Jahren hat er sich zunehmend auf die Arbeit im Atelier sowie auf die Weiterentwicklung seiner Prozesse und Konzepte konzentriert.

Dabei lässt er sich nicht auf seinen frühen Erfolg festlegen. Elemente aus dem Graffiti fließen weiterhin in seine Arbeiten ein – etwa einfache Materialien, industrielle Werkzeuge oder ein gewisser improvisatorischer Ansatz. Gleichzeitig hat sich seine Praxis klar in Richtung Minimalismus und postmalerischer Abstraktion entwickelt.

Im Zentrum seiner Arbeit steht die Frage nach Autorschaft: Revok entwickelt eigene, bewusst nicht perfekte Werkzeuge und Systeme, um seine Bildsprache umzusetzen. So entstehen Werkgruppen mit hohem Wiedererkennungswert, die zugleich präzise konstruiert und von einer spürbaren menschlichen Handschrift geprägt sind. Seine klaren, ausgewogenen Kompositionen gewinnen gerade durch kleine Unregelmäßigkeiten an Spannung und Präsenz.

Seine Arbeiten wurden unter anderem im Museum of Contemporary Art in Los Angeles sowie im Pasadena Museum of California Art gezeigt. Darüber hinaus war er in Ausstellungen und Projekten in Städten wie New York, Los Angeles, Detroit und Dubai vertreten und ist in zahlreichen bedeutenden Privatsammlungen weltweit präsent.

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Monos Sotos

Monos Cotos (ausgesprochen Monos Sotos, geboren 1985 in Griechenland) begann seine Karriere als Graffiti- und Straßenkünstler, bevor er sein Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Athen abschloss. Monos Cotos konzentriert sich auf politische und gesellschaftliche Kritik an seinem Umfeld, wobei er Darstellungsformen und -strategien einsetzt, die ein sorgfältiges Gleichgewicht zwischen autobiografischen Ansätzen und partizipativen Strategien herstellen. Die kollektive Rückeroberung verlassener Industriegebäude durch künstlerische Interventionen stellt eine der Hauptstrategien dar, mit denen er sich den durch den gesellschaftlichen Kontext auferlegten Beschränkungen stellt. Sein jüngstes kollektives Projekt im öffentlichen Raum, „Peramo“ im Juni 2023, versammelte mehr als 20 Künstler und umfasste 70 Wandbilder auf 4000 m² in einer verlassenen Fabrik 30 km außerhalb von Athen. Seine Wandbilder und Gemälde – großformatig und achromatisch – rufen sowohl politische als auch soziale Erinnerungen wach, die sich mit persönlichen Erzählungen verflechten und so die Dichotomie zwischen privatem und öffentlichem Raum hinterfragen. Er lebt und arbeitet in Athen.

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Nasca

Nascas künstlerischer Werdegang begann Anfang der 1990er Jahre vor dem Hintergrund einer Kleinstadt in der Nähe von München. Aufgewachsen in einer vielfältigen Familie mit deutschen und peruanischen Wurzeln, waren Nascas frühe künstlerische Einflüsse ein Schmelztiegel aus süd- und nordamerikanischen sowie japanischen Comics und dem reichen Erbe seiner peruanischen Wurzeln. Diese prägenden Jahre legten den Grundstein für seinen künstlerischen Ausdruck. Er wuchs in der städtischen Umgebung auf und kanalisierte seine kreative Energie in die Graffitikunst, wobei er die Stadtlandschaft seiner Heimatstadt München mit seinem unverwechselbaren Stil verschönerte. Durch diese frühen Erfahrungen wurde seine Leidenschaft für den künstlerischen Ausdruck entfacht, und die Liebe zum Malen auf der Straße begann Gestalt anzunehmen. Seine künstlerische Laufbahn nahm während seines Mediendesign-Studiums eine entscheidende Wendung. Nasca Uno wagte den Schritt ins Ausland nach Asien und startete dort seine internationale Karriere als Maler. Die vielfältigen Kulturen und Einflüsse, denen er in dieser Zeit begegnete, prägten seine künstlerische Entwicklung nachhaltig. Diese Phase des Eintauchens in andere Kulturen wirkte als Katalysator für die Wandlung seines künstlerischen Stils. Nasca Unos Bildsprache zeugt von dieser Entwicklung. Seine Kunstwerke sind ein eindrucksvolles Tableau aus einzigartig dargestellten Figuren, Tieren, Wesen, Gottheiten und Pflanzen, wobei der Fokus oft auf dem Außergewöhnlichen und Übernatürlichen liegt. Seine Kunst taucht in die Bereiche veränderter Bewusstseinszustände und der menschlichen Erfahrung ein und fängt die Essenz der Transformation und die Verbundenheit aller Lebensformen ein. Nasca Unos Werk ist ein Zeugnis für die Kraft der Kunst, Grenzen, Kulturen und Medien zu überwinden. Seine üppigen und fesselnden Kreationen dienen als lebendiges Zeugnis für die unerschöpfliche Quelle der Inspiration, die aus seinem vielfältigen Erbe und seinen globalen Erfahrungen stammt.

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Jasmin Odendahl

Auf ihren weitläufigen Streifzügen durch die Stadt hat Jasmin Odendahl das bewusste Innehalten und aufmerksame Hinschauen zu einer künstlerischen Praxis entwickelt. Daraus entstanden ist eine intensive Studie der visuellen Spuren der Stadt und ihrer Bewohner sowie ihrer unscheinbaren, oft übersehenen Bildwelten innerhalb von U-Bahn-Stationen, auf Stromkästen und Fassaden. Statt sich auf etablierte Street Art zu konzentrieren, richtet sie ihren Blick auf das, was gemeinhin als „Schmiererei“ oder „Dilettantismus“ abgetan wird: Graffiti-Fragmente, verblassende Tags, Scratchings, Sticker- und Plakatreste, die durch Abnutzung, Übermalung, Verschmutzung oder Entfernungsversuche ihre ganz eigene, ungeplante Ästhetik entwickeln. In diesen Relikten erkennt Jasmin Odendahl ein fortwährendes Ringen um Ausdruck, Aneignung des Stadtraums und Zugehörigkeit, das sich in einer ständigen visuellen Transformation zeigt. In ihren Arbeiten greift sie häufig zu denselben Materialien wie die anonymen Urheber dieser Spuren und überträgt die gefundenen Zeichen aus ihrem stadträumlichen Bezug auf Leinwand oder Papier. Durch diese lokale und kontextuelle Verschiebung treten die verborgene Komplexität und Qualität des vermeintlich „Nicht-Offensichtlichen“ in den Vordergrund. Die Künstlerin sensibilisiert für diese Ausschnitte und eröffnet auf diese Weise einen neuen Blick auf die oft ignorierten Inhalte des öffentlichen Raums.
Jasmin Odendahl (geb. 1980) lebt und arbeitet in Köln.
Sie studierte Kommunikationsdesign in Düsseldorf und legte dabei ihren Fokus auf Bildende Kunst und Illustration. Aus dieser Auseinandersetzung mit visuellen Ausdrucksformen entwickelte sich zunehmend ein Interesse am urbanen Raum als erweitertem Experimentierfeld.

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Kristine Mandsberg

Anstatt sich auf ein bestimmtes Material oder Medium zu konzentrieren, nähert sich die Künstlerin Kristine Mandsberg jedem Projekt mit einer experimentellen und forschenden Haltung gegenüber Oberflächen, Materialien, Wiederholungen und Farbe. Ihre Arbeiten manifestieren sich in räumlichen Dekorationen, sammelbaren Objekten und Installationen. Der spielerische Charakter ihres Schaffens durchdringt dabei sowohl Objekte als auch Räume – er lädt Betrachter*innen dazu ein, das Werk berühren und ertasten zu wollen. Diese physische Anziehung ist ein zentrales Element ihrer künstlerischen Praxis. Die Dynamik der Interaktion ist oft das entscheidende Moment, das ihre Arbeiten vollendet: Modulare Strukturen, wiederholbare und veränderbare Komponenten finden sich durchgehend in ihrem Werk. Als künstlerisches Manifest nutzt Kristine Mandsberg den Begriff „PLEASE TOUCH“ – als ständige Erinnerung daran, dass ihre Werke eine physische Reaktion hervorrufen sollen. Sie appellieren an das instinktive Bedürfnis, Dinge zu berühren – als Sinnbild dafür, dass der Mensch ein physisches Wesen bleibt, selbst in einer zunehmend digitalen Welt. Kristine Mandsberg studierte Textildesign am Royal College of Art in London und schloss dort 2008 ab. Heute arbeitet sie als Künstlerin in ihrem Atelier in Kopenhagen, Dänemark. Im Jahr 2018 hatte sie ihre erste Einzelausstellung „PLEASE TOUCH“ in Kopenhagen – ein Meilenstein, der ihre künstlerische Position nachhaltig festigte. Seither wurde ihr Werk kontinuierlich weiterentwickelt und umfasst heute auch großformatige, temporäre wie permanente Installationen im öffentlichen Raum in Dänemark. Darüber hinaus beschäftigt sie sich zunehmend mit dem digitalen Potenzial ihrer Kunst und mit partizipativen Ansätzen, bei denen Menschen aktiv in den Entstehungsprozess eingebunden werden. Seit ihrem Abschluss wird Kristine Mandsberg regelmäßig durch die Dänische Kunststiftung finanziell gefördert.

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